A face de Lúcifer se expandiu em forma de cogumelo como um titã que se levanta após anos de aprisionamento na terra.

Um Cântico para Leibowitz (A Canticle for Leibowitz) é um livro de Walter M. Miller Jr., publicado em 1960. Apesar de ser um clássico da ficção científica, até hoje não recebeu adaptações para o cinema, TV ou plataformas de streaming. No entanto, sua influência pode ser percebida em diversas obras do gênero que fazem sucesso atualmente, como a adaptação de Fallout, por exemplo.

A trama se passa em um cenário pós-apocalíptico, acompanhando um monastério cuja missão é preservar o conhecimento. Após uma guerra devastadora e uma grande explosão nuclear, a civilização regrediu a um estado semelhante à Idade Média. Nesse novo mundo, os conflitos que levaram à destruição em massa também geraram uma perseguição aos cientistas, conhecida como a Revolução dos Simplórios.

Dividido em três partes, o livro aborda diferentes recortes temporais:

• Fiat Homo ("Faça-se o homem"): se passa alguns séculos após o evento catastrófico conhecido como Dilúvio de Fogo, um período em que os monges do monastério de São Leibowitz tentam preservar os fragmentos do conhecimento humano.

• Fiat Lux ("Faça-se a luz"): aborda um momento de renascimento científico e cultural, onde a redescoberta de antigas tecnologias leva a novas tensões entre religião, poder político e avanços tecnológicos.

• Fiat Voluntas Tua ("Faça-se a tua vontade"): mostra a civilização alcançando novamente um estágio avançado, mas também caminhando para outra possível destruição.

Antes mesmo de Duna (Dune), de Frank Herbert, publicado em 1965, Um Cântico para Leibowitz já explorava questões filosóficas, sociológicas e teológicas dentro da ficção científica. Mas o que quero discutir aqui é a visualidade das diversas capas que a obra já teve, destacando uma das versões brasileiras.

Desertos, Idade Média, catolicismo, distopia e um santo que, em sua vida anterior, foi um engenheiro elétrico—esse universo traz possibilidades visuais riquíssimas, não?

O projeto gráfico da editora Aleph, assinado por Giovanna Cianelli, com ilustração em óleo sobre tela de Marjô Mizumoto, é um dos mais interessantes, mesmo se comparado às edições lançadas no país de origem do livro. A combinação de ilustrações detalhadas com tipografia e composição que remetem ao design gráfico dos anos 70 resulta em uma identidade visual única e marcante para a obra.

A ideia de explorar ficção científica em um estilo retrô me parece genial, já que o próprio livro traz a mistura de épocas tão distintas na história da humanidade.

De fato, o projeto gráfico da Aleph me faz pensar um pouco sobre as concept art de Duna feitas pelo artista Moebius. Antes mesmo das versões dirigidas por David Lynch e por Denis Villeneuve, o mexicano Alejandro Jodorowsky, autor de obras cult como A Montanha Sagrada e Santa Sangre, já tinha um projeto gigantesco sobre o livro de Frank Herbert. O projeto contava com a participação de Salvador Dalí, Rolling Stones e outros artistas visionários. Provavelmente pelo fato de que essas artes foram criadas justamente na década de 1970, mais precisamente no ano de 1974, possuem conceitos futurísticos, mas também carregam o visual psicodélico da visão de Jodorowsky sobre sua versão de Duna.

O design, enquanto área do conhecimento que maneja informações e investiga as melhores maneiras de comunicar ideias através da visualidade e da organização de conceitos, também pode aprender com a missão de preservar e reconstruir o conhecimento em Um Cântico para Leibowitz. Esse paralelo entre design e a temática do livro é fascinante: assim como os monges tentam resgatar e reconstruir o conhecimento perdido, os designers podem reinterpretar e preservar ideias visuais, resgatando estéticas do passado para criar algo novo e significativo para o presente.

As capas do Roxy Music são conhecidas pelas modelos femininas que ilustram suas obras. Mas o universo visual da banda vai além disso. O primeiro álbum do grupo de Art Rock gerou mais comentários sobre a capa, que trazia a modelo Kari-Ann Muller, do que sobre sua música propriamente dita. Pode-se considerar que, mais do que outros artistas e bandas da época, o visual das capas, dos videoclipes e até mesmo dos figurinos dos integrantes compunha uma parte significativa de suas obras.

Nos ensaios fotográficos, vemos Bryan Ferry, integrante e criador do Roxy Music, participando ativamente. Fica nítido que seu passado como artista por formação e professor de artes ainda se fazia presente na obra do grupo como um todo. O que vemos na identidade visual da banda é justamente a tradução dos devaneios artísticos de Ferry: cenários cinematográficos e narrativas de amor e decadência.

Em uma época em que os hits dos anos 80, principalmente, estão voltando como trends e montagens de vídeos curtos espalhadas por toda a internet, podemos perceber que o imaginário do Roxy Music ainda faz sucesso. Visões de mansões de luxo em cores neon, trilhas sonoras envolventes repletas de saxofones e sintetizadores, combinadas a ambientações dignas dos melhores filmes de Michael Douglas: não seria esse o paraíso imaginado pelo Roxy Music?

Sabemos que, na verdade, o Roxy transmitia muito mais a ideia de fim de baile e da decadência elegante, tão presente em toda a sua obra. Mas o que quero dizer é: essa era a grande questão da estética da banda! Não se tratava apenas da música, mas de todos os elementos estéticos que cercavam suas composições conceituais. Afinal, seus principais pensadores eram artistas visuais.

Now the party’s over
I’m so tired
Then I see you coming
Out of nowhere
Much communications in a motion
Without conversation or a notion

Parte da letra da música Avalon.

Não é à toa que o Roxy Music era encaixado dentro de um gênero musical tão amplo: Art Rock. Moda, maquiagem, tipografia e fotografia: sim, as capas da banda sempre traziam a figura feminina como elemento principal da composição, mas também carregavam informações artísticas que as tornavam, ao mesmo tempo, belas, estranhas e dotadas de vida própria. Um exemplo perfeito disso é a capa de For Your Pleasure (1973). Com uma paleta de cores quase monocromática e uma diversidade de texturas na composição, a capa já traduzia o som contido no álbum.

Assim como a sobreposição de texturas contrastantes na capa, as músicas de For Your Pleasure apresentavam várias camadas de diferentes instrumentos musicais. A predominância de cores escuras e o alto contraste também expressavam um conceito mais sombrio, se comparado às obras anteriores do Roxy. Um som tão intenso que chegou a tocar em Mindhunter (2017), série true crime de David Fincher.

As tipografias escolhidas poderiam facilmente estar em capas de filmes do final do século passado, especialmente naqueles de tom mais casual. Aliás, essa estética lembra muito os filmes de Adrian Lyne, que escolheu Slave to Love, um dos maiores hits da carreira solo de Bryan Ferry, como trilha sonora de 9½ Semanas de Amor (1986). Filme que, por sinal, se tornou controverso com o tempo, envelhecendo de maneira terrível (mas esse é um assunto para outro texto).

No álbum de estreia, a tipografia escolhida era manuscrita, harmonizando perfeitamente com a estética do ensaio fotográfico de Kari-Ann Muller. Em uma pesquisa rápida, identifiquei a fonte Parfum, de Ralph Michael Under, uma escolha elegante, mas que, nos dias de hoje, pode ser desafiadora de aplicar sem parecer datada. No entanto, dentro do universo visual do Roxy Music, ela continua a funcionar de maneira impecável.

Nos álbuns posteriores, predominavam as tipografias serifadas e em caixa alta. A compilação The Early Years (1989), por exemplo, combina esse estilo de fonte com manequins maquiados que parecem ter saído diretamente de um ensaio editorial de moda. Isso resume um pouco as capas do Roxy para mim, elas eram mais do que propagandas da música que traziam, pois também criavam a famosa aura da banda.

Além das capas icônicas, o Roxy Music explorava esses sonhos perdidos de maneira profunda, criando um universo estético que extrapolava os discos. Isso fica evidente no videoclipe de Avalon (1982), que, assim como a capa do álbum homônimo, mergulha em um imaginário cinematográfico de mistério e sofisticação. A escolha por enquadramentos suaves, iluminação difusa e uma paleta de cores etérea reflete a transição da banda para um som mais refinado e melancólico.

Avalon também apresentava um cenário de atmosfera épica, onde a modelo na capa usava um capacete medieval e posava ao lado de um falcão, evocando a lenda da última jornada do Rei Arthur rumo à terra de Avalon. Embora mantivesse a tradição de destacar modelos femininas em suas capas, esse álbum elevava a estética da banda a um patamar ainda mais surreal e fantasioso.

O design gráfico do Roxy Music não se limitava à escolha de imagens chamativas, mas sim à construção de um conceito visual que enriquecia a experiência musical. Hoje, com o amplo acesso à música e a necessidade de as obras se destacarem em meio a tantas opções, a identidade de uma marca ou artista depende cada vez mais da coesão entre som e imagem. Nesse sentido, a abordagem da banda continua sendo uma referência atemporal.

A fusão entre tipografia, fotografia, figurino e ambientação nas capas de álbuns é um exemplo de como o design pode amplificar uma mensagem artística. No caso do Roxy Music, isso não apenas ajudava a definir o estilo da banda, mas também se tornou parte essencial de sua narrativa. Mesmo décadas depois, sua estética continua a influenciar a cultura pop e o design contemporâneo, provando que o visual e a música podem ser indissociáveis na construção de um legado.